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miércoles, 24 de abril de 2024

Arte & Ciencia TP4 - 5to. "A" / Catenarias

Catenarias

Una catenaria es una curva ideal que representa físicamente la curva generada por una cadena, cuerda o cable sin rigidez flexional, suspendida de sus dos extremos y sometida a un campo gravitatorio uniforme. Esta palabra proviene del latín catēnarĭus (‘propio de la cadena’).

Las matemáticas han sido, y son, una fuente de inspiración para el arte, y en particular, para las artes plásticas. El teorema de Pitágoras, el infinito, la razón áurea y la sucesión de Fibonacci, la cuarta dimensión y las geometrías no euclídeas, los fractales, la teoría del caos, la criptografía y los números primos, o los teoremas de incompletitud de Gödel, son algunos de los temas matemáticos que forman parte de las creaciones de muchos artistas.

La curva catenaria, es un objeto geométrico que ha tenido mucha importancia en la arquitectura del siglo XX, en particular, en la obra del arquitecto catalán Antoni Gaudí (1852-1926), ha pasado a ser un elemento de interés en las artes plásticas.



Casa Milá, La Pedrera, (1905-10), Antoni Gaudí. Todo el último piso es un recorrido formado por arcos catenarios de ladrillo.

Para Gaudí “la catenaria da elegancia y espiritualidad al arco, elegancia y espiritualidad para la construcción entera. La función autoestable de la catenaria evita contrafuertes, el edificio pesa menos, gana una gracia vaporosa y se aguanta sin raros accesorios ortopédicos”. Algunas obras en las que Gaudí utiliza los arcos catenarios son el Colegio de las Teresianas (1889), la casa Batlló (1904-1906) o la casa Milá, La Pedrera, (1905-1910).


                                                              
Casa Batlló (1904-06), Antoni Gaudí

Otro de los grandes arquitectos que utilizó la catenaria en su obra fue el finés Eero Saarinen (1910-1961), que llegó a ser uno de los grandes maestros de la arquitectura norteamericana del siglo XX. Realizó obras de gran impacto social. Dos obras en las que hizo uso de la catenaria fueron el Arco Gateway, o Puerta hacia el Oeste, del Jefferson National Expansion Memorial, en Saint Louis, Missouri (diseñado en 1947 y construido en 1963-65) y el Aeropuerto Internacional de Dulles-Washington (1958-1962).


Arco Gateway, o Puerta hacia el Oeste, del Jefferson National Expansion Memorial, en Saint Louis, Missouri (1963-65), Eero Saarinen.

El artista Jasper Johns, que ya era una de las figuras más significativas del arte de la segunda mitad del siglo XX, decide encerrarse en su estudio de Connecticut para reflexionar sobre su trabajo y empezar una nueva serie de obras en un tema completamente nuevo, en el que no había trabajado antes. El primer cuadro de esta serie incluía una cuerda que colgaba desde dos puntos, uno en la parte superior derecha y el otro en la parte inferior izquierda, generando así la forma de la curva catenaria. Y la catenaria se convirtió en la columna vertebral de las nuevas creaciones artísticas de Jasper Johns.

El autor de obras como Flag (1954-5), Target with Four Faces (1955), Three flags (1958), Numbers in Color (1958–59), 0 Through 9 (1960), Map (1961), Figure Five (1963–64), realizaría un total de 61 cuadros, dibujos e impresiones de la serie dedicada a la catenaria. La exposición “Catenary” que se organizó en 2005 en la Matthew Marks Gallery de Nueva York se incluyeron 38 de esas obras, aquí podemos apreciar algunas de ellas.


                                                          
Catenary (Manet-Degas) (1999), Jasper Johns


                                                                     
Sin título (2001), Jasper Johns


                                                                
Near the Lagoon (2002-03), Jasper Johns

Fiber Future, ha sido una exposición que ha recorrido medio mundo mostrando modernas obras de los pioneros del arte textil japonés. Esta exposición estuvo en el Centro de Arte Complutense de la Universidad Complutense de Madrid en el año 2014. Una de las obras de esta exposición, que se corresponde con la imagen de más abajo, era W-Orbit (2010) de la artista japonesa Akio Hamatani (1947-), que está formada por la unión de muchas catenarias.




                                                                 
W-Orbit (2010), Akio Hamatani

La artista de Osaka Akio Hamatani tiene toda una serie de obras textiles basadas en la catenaria. Mostramos un par de ellas.


                                                                          
Orbit 6, Akio Hamatani



                                                              
White Arc No. 9 (1987), Akio Hamatani

En la obra de una artista alemana, que vive y trabaja en Nueva York desde 1982, Sabine Reckewell (1950), titulada Double Catenary (2013), se genera una superficie curva mediante cuerdas rectas (cuerdas estiradas para que no cuelguen) que se apoyan, o mejor dicho, están guiadas por dos curvas catenarias.


                                                             
Double Catenary (2013), Sabine Reckewell


A continuación , una serie de obras de esta artista neoyorkina, que bajo el título Linear Instalations, juega a generar superficies mediante la disposición de cuerdas estiradas (con la forma de una recta) o curvas colgantes (curvas catenarias). Por ejemplo, en alguna de las obras generadas mediante cuerdas rectas la superficie que origina es un paraboloide hiperbólico, que es una de las grandes superficies de la arquitectura del siglo XX. En otras obras, como comentamos, utiliza curvas catenarias, como en las siguientes obras.


                                                  
Installation for Black Strings (1980), Sabine Reckwell



                                             
Making an Entrance, Latham Square (2014), Sabine Reckwell



                                                       
Vertical to horizontal (2015), Sabine Reckwell


Una de las instalaciones del artista, diseñador y arquitecto japonés Ryuji Nakamura (1972) es Catenarhythm (2008), en el que se crea un espacio invadido por catenarias que cuelgan del techo.


                                                             
Catenarhythm (2008), Ryuji Nakamura


                                                            
Catenarhythm (2008), Ryuji Nakamura


A continuación una serie de obras del escultor de Los Ángeles, George Stoll (1954), pertenecientes a su proyecto Prime numbers/catenatry curves.


                                                                      
Sin título (2013), George Stoll


                                                                    
Sin título (2013), George Stoll


TP4  "Catenarias"

Consigna: dibujar sobre una hoja A5, orientación horizontal el marco reglamentario (1 x 1 x 1 x 2 cm en la base). Pegar la etiqueta de la asignatura, centrada en la base.

Al dorso de la hoja copiar: N° TP, Título, Consigna, Fecha de Inicio / Entrega y Rúbrica de evaluación.

Replicar algunos de los diseños de referencia. 

Materiales: hoja N°5, regla, goma, lápiz 2B, lápices / marcadores de colores, cadenas, hilos, lanas, cinta adhesiva, acrílico, tinta, etc.

A continuación se detallan opciones / ideas:

A- trabajar con una cadena (collar), apoyar sobre la hoja y marcar los contornos. Pintar las zonas de intersección.
B- pintar un hilo de algodón (acrílico o tinta), apoyar sobre la hoja, reiterar la acción superponiendo el diseño.
C- pegar lanas, siguiendo la obra Sabine Reckwell y fotografiar; luego intervenir digitalmente, imprimir (tamaño A4) y pegar sobre la hoja N°5 (tener en cuenta el marco reglamentario y la etiqueta).

jueves, 21 de marzo de 2024

2do. Año "Concurso: Educar para la Paz".

 Los alumnos de 2do.. Año Artes Visuales participarán del certamen elaborando un trabajo dentro de las categorías descriptas.


Entrar al los siguientes links: 


¿De que se Trata?




PARTICIPACIÓN GRATUITA

  • Cada inscripta/o podrá participar en una categoría y con un único trabajo, que debe ser realizado en forma individual.
  • En la categoría Murales Callejeros, podrán participar una o más personas, sin invalidar que alguno de ellos pueda presentar alguna obra en alguna de las otra de las categorías del certamen.
  • Los trabajos deberán ser originales y estar dentro de la temática propuesta.


CATEGORÍAS


  • EXPRESIONES PLÁSTICAS

Dibujo – Pintura – Collages
Destinado a alumnos de los niveles primario, secundario y Educación Especial, distribuidos en cinco categorías:
> Categoría 6 a 8 años
> Categoría 9 a 11 años
Categoría 12 a 14 años
> Categoría 15 a 18 años
> Categoría Escuelas de Educación Especial

  • ARTE DIGITAL

Imagen digital – Fotografía – Video Minuto
Destinado a alumnos del Nivel Medio o Polimodal:
Categoría 12 a 14 años
> Categoría 15 a 18 años

  • COMICS

Destinado a alumnos del Nivel Medio o Polimodal:
>Categoría 12 a 14 años

>Categoría 15 a 18 años

TÉCNICAS, MATERIALES Y PRESENTACIÓN


  • Los trabajos podrán ser realizados en la técnica y el material que elijan los participantesen hoja A4 (21 x 30 cm) y enviarse escaneados o fotografiados en buena resolución para ser subidos al link de la categoría que corresponda en formato JPG.

  • Para la categoría Comics debe utilizarse hoja A3 (30 x 42 cm.) y debe ser subido como GIF animado o video, en formato MPGE o MP4.

  • El video debe tener una duración de hasta 60 segundos, y deberá subirse en formato MPGE, AVI o MP4. El mismo puede ser generado desde la plataforma tiktok.

  • Las imágenes y las fotografías digitales deberán subirse en formato JPG.

Evaluación del Jurado: Un prestigioso jurado nos acompaña en cada edición. Oportunamente será publicado en el sitio web oficial y de las entidades organizadoras.



Inscripciones en: https://www.accioncatolica.org.ar/blog/tag/educar-para-la-paz/




Trabajos Premiados:



Josefina Ezquerro





Sebastian Verdesoto 



A continuación compartimos otras producciones participantes:

Nahir Berduque (categoría Arte Digital - Dibujo).


Camila Araujo (categoría Arte Digital - Diseño fotográfico)


Pilar Calvo Vilches (Categoría: Arte Digital)




Lucas Corradi (Categoría: Expresiones Plásticas: Dibujo - pintura).

Felipe Vilches (Categoría: Arte Digital - Fotografía)





martes, 27 de febrero de 2024

Arte & Ciencia TP1 (A y B) - TP2 - 5to. "A" / Ciencia del Color



 Ciencia del color

El color es la impresión producida por una onda de luz en los órganos visuales. Por lo tanto, ambos conceptos, luz y color, se encuentran estrechamente vinculados entre sí. 

Relación entre el Color y la Luz

Circulo cromático

La teoría del color ha sido desarrollada por científicos, pensadores y artistas.

Los colores primarios

Color primario en luz (rojo, verde, azul)
Color primario de pigmento / impresión (cian, magenta, amarillo). 

Colores Primarios Aditivos (Luz)
El rojo, el verde y el azul ultramar son los colores primarios de la luz. Es decir, al combinarlos en diferentes proporciones se pueden crear los demás colores. Por ejemplo, la combinación de la luz roja con la luz verde da como resultado una luz amarilla. 

Este sistema de color primario aditivo es utilizado para fuentes de luz. Por ejemplo: televisores y monitores de computadora. Por lo tanto, a partir de la luz se pueden crear una amplia gama de colores. Cuando diferentes proporciones de luz roja, verde y azul ingresan a tu ojo, tu cerebro es capaz de interpretar las diferentes combinaciones como diferentes colores.

Cuando los tres colores primarios de luz se unen se crea como resultado luz blanca.


Colores primarios aditivos

Colores Primarios Sustractivos (pigmentos)
Los colores primarios de pigmentos, también conocidos como primarios sustractivos, generalmente mencionados como rojo, azul y amarillo. Estos se usan cuando se producen colores a partir de la luz reflejada. Por ejemplo, al mezclar pintura o usar una impresora a color.

Los pigmentos son sustancias químicas que absorben longitudes de onda selectivas. Esto implica que evitan que ciertas longitudes de onda de luz se transmitan o reflejen. Debido a que las pinturas contienen pigmentos, cuando la luz blanca (que se compone de luz roja, verde y azul) impacta la pintura de color, solo se reflejan algunas de las longitudes de onda de la luz. Por ejemplo, la pintura cian absorbe la luz roja pero refleja la luz azul y verde; la pintura amarilla absorbe la luz azul pero refleja la luz roja y verde. 

Tradicionalmente se nos enseña en la escuela que los colores primarios son rojo, azul y amarillo. Sin embargo, al descubrirse cada vez más sobre el color espectral y cómo funcionan las longitudes de onda con las superficies (reflexión / absorción) y el ojo humano, el modelo azul-rojo-amarillo ha cambiado al modelo cian, magenta, amarillo. 


Colores primarios sustractivos


La Temperatura de los Colores                      
En relación a las pinturas, la temperatura del color se refiere a nuestra percepción de un color como cálido o frío. A muchos artistas les gusta dividir la rueda de colores en colores cálidos y fríos, como se muestra a continuación:

Rueda del color con los colores fríos y cálidos

Es importante tener en cuenta que la temperatura de color de nuestras pinturas es solo perceptual. Es decir que depende de la luz, la percepción, la perspectiva y otros muchos aspectos circunstanciales.

La realidad es que las pinturas no tienen ninguna temperatura de color intrínseca o fija. Simplemente se asocia ciertos colores como cálidos o fríos según sus circunstancias.
Los colores siempre son cálidos o fríos en relación a otros colores. Es decir, solo serás capaz de identificar un color si y solo si tienes otro color para compararlo.

La Temperatura del Color y la Luz
Si pintas bajo la luz de una puesta de sol, los colores que verás serán muy diferentes a los colores que vería bajo la luz de un día nublado.

Claude Monet realizó su serie de pinturas sobre la Catedral de Rouen, así como otras muchas series para estudiar y dominar esta circunstancia. Esta estructura arquitectónica fue pintada por Monet en distintas horas del día, por lo tanto la luz y el color en cada uno de los cuadros de esta serie es diferente.


Distintas impresiones de la Catedral de Ruan en diversos momentos del día capturados por Monet.

Saturación o croma
La saturación es la medida de la pureza o intensidad de un color. Es posible reducir la saturación de un color agregando blanco, gris o un color en el lado opuesto de la rueda de colores. 

Si elimináramos poco a poco la saturación de los colores de la rueda de color, daría como resultado lo expuesto a continuación:


Desaturación del círculo cromático.


Tono o matiz
Por un lado está el tono que generalmente se refiere a la longitud de onda dominante del color de los doce colores en la rueda de colores. Por ejemplo, el tono del mar es azul y el tono de la savia es verde. Este tono también puede sustituirse por el término matiz.


Valor tonal
El valor, valor tonal o tono se refiere en esta circunstancia a qué tan claro u oscuro es el color en una escala de negro a blanco. 

Para aumentar (aclarar) el valor de un color, deberás agregar blanco y / o algún color de valor tonal claro, como el amarillo.
Para disminuir (oscurecer) el valor de un color, deberás agregar negro, un color complementario y / o un color de valor obscuro, como el azul ultramar o algún morado.

Por ejemplo, si eliminas el color de la siguiente imagen, te quedarás con un rango de colores negros y blancos. En dicho rango el color negro será el valor más bajo, mientras que  el color blanco será el valor más alto. 

Título: Impression soleil levant. Artista: Claude Monet. Fecha: 1872. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 48 cm x 63 cm. Colección: Musée Marmottan Monet, Paris, Francia.

Esta es una de las razones por las cuales el dibujo es tan apreciado para mejorar la capacidad de pintar. El dibujo facilita la comprensión del concepto de valor sin tener que preocuparse por la inclusión del color.



TP1  "A" Círculo cromático - Flor fractal
Consigna: dibujar sobre una hoja A5, orientación horizontal el marco reglamentario (1 x 1 x 1 x 2 cm en la base) .Pegar la etiqueta de la asignatura, centrada en la base.
Al dorso de la hoja copiar: N° TP, Título, Consigna, Fecha de Entrega y Rúbrica de evaluación.

Replicar el diseño de referencia y pintar con los colores primarios y secundarios. Hacia el centro más oscuro y hacia afuera más claro.
Materiales: hoja N°5, regla, goma, lápiz 2B y lápices de colores.




TP1 "B" Valor tonal - Hoja de la Naturaleza.

Consigna: dibujar sobre una hoja A5, orientación vertical el marco reglamentario (1 x 1 x 1 x 2 cm en la base). Pegar la etiqueta de la asignatura, centrada en la base.
Al dorso de la hoja copiar: N° TP, Título, Consigna, Fecha de Entrega y Rúbrica de evaluación.

Seleccionar un hoja natural / vegetal (árbol) y tomar como modelo. Representar su anatomía de modo realista por medio del dibujo con lápiz 6 B.


Diseño de hoja acromática.

 Diseño y Naturaleza.
La relación entre ambos términos también puede ser armónica. Por ejemplo, en la idea de la naturaleza como inspiración para el diseño y la arquitectura, que a lo largo de la historia supieron apropiarse de 
formas, estructuras y principios de organización del mundo natural. Las ramas, hojas y flores tan características del art nouveau son un claro ejemplo de esto. 



En los inicios de la era 
industrial, una serie de flores ondulantes con tallos sin fin ilustraron el sueño socialista de William Morris, líder del movimiento inglés Arts and Crafts (Artes y Oficios). La vitalidad de las formas orgánicas al servicio de la ideología encabezó una ofensiva utópica contra la sociedad capitalista de fines del siglo XIX.


En ese sentido, preguntarse qué pasa hoy con el diseño cuando gracias a la tecnología es posible observar a la naturaleza en otras escalas micro y macro. La morfología de la cadena de ADN o los dibujos del cosmos hacen que la noción estética que tenemos del concepto de naturaleza se expanda. Como ya lo anticipaba el famoso trabajo de Charles Eames, Powers of Ten, el diseño atraviesa todas las escalas.


"Powers of Ten"







TP2  Diseño y Naturaleza.
Consigna: dibujar sobre una hoja A5, orientación horizontal el marco reglamentario (1 x 1 x 1 x 2 cm en la base). Pegar  centrada la etiqueta de la asignatura en la base.
Al dorso de la hoja copiar: N° TP, Título, Consigna, Fecha de Entrega y Rúbrica de evaluación.

Diseñar sobre la totalidad de la superficie,  a través del dibujo con lápiz 2B,  una imaginería propia utilizando plantas y flores. Luego repasar todo con microfibra negra y trabajar los valores por medio de la línea.
A continuación se comparte una escala de valores y su realización a través de la línea.
Materiales: hoja N°5, lápiz 2B, goma, regla y microfibra negra.




    Compartimos la producción del TP1 "A" y "B"





viernes, 23 de febrero de 2024

Arte & Ciencia TP3 - 5to. "A" / Cúpulas - Teselados

El diseño orgánico se basa en observar la naturaleza y su comportamiento para reflejarlo en la arquitectura, consiguiendo así construcciones en armonía que no desentonan y que son un continuo en el paisaje. Una composición unificada, un todo.

Cúpulas

La cúpula (también conocida en su parte exterior como «domo» o «calota») es un elemento arquitectónico que se utiliza para cubrir un espacio de planta circular, cuadrada, poligonal o elíptica, mediante arcos de perfil semicircular, parabólico u ovoidal, rotados respecto de un punto central de simetría.


Interior de la cúpula de San Pedro en la Ciudad del Vaticano, diseñada por Miguel Ángel en 1547.


Goya. "Cúpula Regina Martyrum" en la Basílica del Pilar de Zaragoza, España. 
Fresco. Reina de los mártires. (1780 ) 

Cúpula del Teatro Colón




Teselados

Una teselación es un patrón geométrico que cubre una superficie sin espacios ni superposiciones. 
Solo hay tres formas de teselar el plano con figuras regulares: mediante cuadrados, mediante triángulos equiláteros y mediante hexágonos.








TP3 Cúpula / Teselado
Consigna: dibujar sobre una hoja A5,  orientación horizontal el marco reglamentario (1x1x1x 2cm en la base). Pegar la etiqueta de la asignatura, centrada en la base.
Al dorso de la hoja copiar: N° TP, Título, Consigna, Fecha de Inicio / Entrega y Rúbrica de evaluación.

Dibujar con compás un círculo centrado en la hoja, con radio de 8 cm. Dentro del mismo realizar un teselado utilizando las figuras geómetricas: cuadrado, hexágono y triángulo equilatero, luego pintar de modo planimétrico (sin variación tonal) basándose en la obra de la artista Carmen Herrera. Colores a elección.
Materiales: hoja N°5, regla, goma, compás, lápiz 2B y lápices de colores.

Ejemplo: 
Diseño con materiales utilizados